Chinesisches Kino: Ein Wesentlicher Leitfaden für Filmfans

Ein Kino, das Anders über Kino Denkt

Chinesische Filme folgen nicht dem Playbook von Hollywood. Das haben sie nie getan. Wo das westliche Kino sich um individuelle Protagonisten, Drei-Akt-Strukturen und psychologischen Realismus entwickelte, schöpft das chinesische Kino aus einer Tradition, in der die Landschaft Charakter ist, Stille mehr bedeutet als Dialog und ein Schwertkampf ein philosophisches Argument sein kann, das mit 200 Meilen pro Stunde geführt wird.

Die Geschichte des 中国电影 (Zhōngguó Diànyǐng, chinesisches Kino) erstreckt sich über mehr als ein Jahrhundert, von den ersten Vorführungen in Teehäusern in Shanghai im Jahr 1896 bis zum heutigen Markt – dem größten der Welt nach Anzahl der Leinwände und in manchen Jahren nach Gesamteinspielergebnissen. Das Verständnis seiner wichtigsten Strömungen und Regisseure öffnet ein Tor zu einer radikal anderen Denkweise darüber, was Film leisten kann.

Die Shanghai-Ära: Chinas Erste Goldene Ära

Vor der kommunistischen Revolution war Shanghai Chinas Hollywood. Die 1930er und 1940er Jahre produzierten anspruchsvolle Filme, die westliche filmische Techniken mit chinesischen literarischen und theaterhistorischen Traditionen verbanden. Regisseure wie 费穆 (Fèi Mù) schufen Werke von außergewöhnlicher Subtilität. Sein Film von 1948 "Frühling in einer kleinen Stadt" (小城之春, Xiǎo Chéng Zhī Chūn) – über eine Frau, die zwischen ihrem kranken Ehemann und einem ehemaligen Liebhaber gefangen ist – nutzt Architektur, Wetter und die präzise Distanz zwischen Körpern, um Emotionen zu vermitteln, die der Dialog niemals berührt. Er wird regelmäßig als der größte chinesische Film bezeichnet, der je gemacht wurde.

Die Shanghaier Studios waren auch Pioniere des 武侠片 (Wǔxiá Piàn, Martial Arts-Filme) bereits in den 1920er Jahren und etablierten ein Genre, das zu Chinas markantestem filmischen Export werden sollte.

Die Fünfte Generation: Kunst, die die Welt Erschütterte

Nach der Zerstörung der chinesischen Kunst durch die Kulturrevolution trat die erste Abschlussklasse der Beijing Film Academy – die sogenannte Fünfte Generation – Anfang der 1980er Jahre mit einer Wut hervor, die das Weltkino transformierte. 陈凯歌 (Chén Kǎigē) und 张艺谋 (Zhāng Yìmóu) waren die beiden Motoren dieser Bewegung.

Zhang Yimous "Rote Sorghum" (红高粱, Hóng Gāoliáng, 1988) kündigte ein neues chinesisches Kino mit der Kraft einer Explosion an. In gesättigten Rot- und Goldtönen gedreht, erzählte es eine Geschichte von Leidenschaft und Widerstand im ländlichen China mit einer visuellen Intensität, die es bislang nicht gegeben hatte. Seine nachfolgenden Filme – "Die rote Laterne erheben" (大红灯笼高高挂, 1991), "Die Geschichte von Qiu Ju" (秋菊打官司, 1992), "Zu leben" (活着, 1994) – kartierten die Bandbreite der chinesischen Erfahrung sowohl mit Intimität als auch mit epischem Umfang. "Zu leben," das eine Familie über Jahrzehnte politischer Umwälzungen verfolgt, bleibt vielleicht das verheerendste Porträt des 20. Jahrhunderts in China, das auf Film festgehalten wurde.

Chen Kaiges "Adieu meine Konkubine" (霸王别姬, Bàwáng Bié Jī, 1993) verwebt die Geschichte zweier Peking-Opernschauspielführer mit fünfzig Jahren chinesischer Geschichte, von der Warlord-Ära bis zur Kulturrevolution. Er gewann die Goldene Palme in Cannes – immer noch der einzige chinesischsprachige Film, der diese Ehre erhielt.

Die Sechste Generation: Untergrund und Unkompromittiert

Während die Fünfte Generation internationale Festivalanerkennung gewann, trat eine jüngere Gruppe...